Una reinvención del pop

Sobre “El día de la lenteja”, de Fran Saglietti e Iván Pierotti

Algunas semanas atrás, la revista Scientific Reports publicó los resultados de una investigación con resultado alarmante: la música popular es cada día menos original. El grupo a cargo del estudio analizó muchísimas canciones (cerca de medio millón) y concluyó que las armonías se repiten con frecuencia, las melodías no muestran demasiada variación entre sí y los instrumentos que se usan para grabar son casi siempre los mismos, de allí que el sonido general sea tan parecido en los discos de hoy. El actual panorama de la música popular es bien conocido por artistas y melómanos, pero siempre se necesita un aval científico, algo con cierta materialización y argumentación objetiva, para poner el grito en el cielo y darle a la situación un carácter oficial.


Esto no debería escandalizarnos tanto. Si la música popular de hoy suena así, es porque por detrás hay una demanda que reclama esa falta de originalidad, una idea probada, masticada, que no permita el riesgo. Se trata de oyentes pasivos, cuya formación estuvo signada por canales tradicionales. Músicos jugados hay a montones, pero su propuesta apunta a un grupo reducido de receptores; no se pueden incluir en el casillero popular por la sencilla razón de que al público masivo esa música no le llega (le suena extraña, le hace ruido) o directamente no le interesa.

Cuando a finales de los años 60 la música pop atravesaba un proceso de encorsetamiento, grupos como los Beatles llevaron el formato canción a sus límites, pero no en cuestiones de armonía sino sonoras, y fundamentalmente a través de la experimentación en un estudio de grabación. Unos años más tarde, esa expansión buscó, esta vez sí, llegar por el lado armónico, lo que dio por resultado el rock progresivo o sinfónico, en el que los músicos componían música mucho más compleja, con largos pasajes instrumentales, acordes atípicos para el género popular y verdaderas proezas técnicas por parte de sus integrantes. Esa idea funcionó a medias, porque esa complejización pecó de grandilocuente y marcó un quiebre con el gran público, que muchas veces acusó a este género de alejarse de la emoción en pos del virtuosismo. La respuesta a esa situación fue el punk, una música situada en las antípodas de lo sinfónico: máxima simpleza, pura emotividad, falta total de pulido en la producción.

La facilidad con la que hoy se puede acceder a toda clase de información musical –desde las canciones más populares y comerciales hasta los experimentos más radicales– pone a cualquier músico frente a un desafío mayúsculo: destacarse en medio de un mar de propuestas infinito y con toda clase de variables.

Aun así, la música pop, que por su definición y sus características debe mantenerse “simple”, todavía encuentra caminos para su desarrollo, un desarrollo relacionado a la novedad, a cierta frescura, que en muchos casos tiene que ver con la escasez de recursos. De allí que muchos primeros discos de bandas, editados de forma independiente, sean los que más llamen la atención, por tratarse de situaciones donde lo lúdico impera por encima de las expectativas. Esa falta de recursos es un reto que algunos artistas reciben con los brazos abiertos.

Una gema entre las piedras
Hace unos días, unos amigos me mostraron El día de la lenteja, de Francisca y los Exploradores. Subrayo el “mostraron” porque se trata de un videoclip, y la mezcla de sensaciones que me produjo fue el resultado de la conjunción del sonido y la imagen. Se trata de una canción sencilla, de menos de tres minutos, pero con esa simpleza le basta para condensar un mundo adentro suyo.

Sus creadores son Fran Saglietti (músico) e Iván Pierotti (videoartista). Consiste en un solo plano secuencia, filmado adentro de un baño. Una vez que la cámara ingresa a esa pieza, nos encontramos con la figura central del relato, que lleva puestas unas antiparras salidas de una película de ciencia ficción. Hasta ese momento parece apenas un detalle ligeramente surrealista, pero esas antiparras de soldar comienzan a adquirir sentido cuando se muestra el instrumento que acompaña a Saglietti: una pequeña máquina de ritmos que provee las bases del tema y que él maneja a su gusto, como un científico mezclando sustancias químicas. Todos los sonidos de la canción están condensados en un aparato portátil, a excepción de uno: la voz (es decir: la línea melódica central), lo que le da organicidad a la situación y, primordialmente, emoción. Lo que produce ese shock es el personaje (no parece casualidad que el músico utilice un alter ego: Francisca), sus gestos, sus movimientos, su forma de actuar en el punto central del clip: cuando la música se reduce al mínimo, se quita esas gafas y mira por primera vez a la cámara, acaso como una forma de expresar desamparo. Fuera del cobijo de los sonidos, el artista y su sensibilidad quedan al descubierto. Una vez que regresa la base, se calza nuevamente esos lentes de científico loco y vuelve a tomar forma el personaje (el alter ego).

En la pieza donde el video fue filmado hay otro componente clave: un espejo. En ese plano secuencia, profundamente estilizado, la cámara acompaña al personaje pero de a ratos también se concentra en su reflejo (una segunda faceta, otro costado de la situación).

Por otra parte, el comienzo de la letra de la canción también marca distancia con cierta intelectualización del arte. Nos dice, a su manera, que el arte –esa cruda sensación de abrirse al mundo– debería ser una disciplina exclusiva de los sentimientos y no de la racionalización. Las dos frases iniciales apuntan hacia eso: “Si pienso pierdo el tiempo/ por eso nunca leo”. Y la tercera (“Trabajo aunque no quiero”) nos muestra la dualidad entre el hombre común (la camisa, el traje, la corbata) y el artista, dos mundos enfrentados: trabajar de algo que no gusta, obligado por la necesidad de subsistencia, porque sin trabajo no hay artista. Es decir, no puede vivir uno sin el otro (allí la imagen reflejada en el espejo adquiere mayor sentido).

También flota en el ambiente una especie de juego con el tiempo, una sensación de viaje. Habla de ver noticias por la televisión (el pasado, que refuerzan los versos finales: “Sé lo que ya pasó/ ya pasó/ mi vida ya pasó”) e incluso el título sugiere la temática (“Lenteja” se usa en el habla popular como sinónimo de lentitud, de movimiento pausado). Ese abordaje sci fi se termina de confirmar en la descripción del video, escrita por sus propios realizadores: “Francisca se aventura por fuera de la atmósfera de paz que nos suele regalar para traernos un mensaje del futuro”. Música que viene del futuro. O lo que es lo mismo: música que escapa del presente, de lo establecido, de esa monotonía dominante.

Si la ciencia establece que al pop ya se le agotó la novedad, entonces hay que comenzar a usar algunos recursos extra para hacer que la rueda aún siga funcionando hacia adelante y no como un loop. A través de su brillante simpleza, El día de la lenteja nos da una involuntaria lección sobre una forma nueva de abordar el pop.